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Color-Field Painting, Post Painterly Abstraction, Espressionismo astratto, action painting, sono più d’una le correnti che si potrebbero citare parlando di Helen Frankenthaler (New York ,1928), ma (ha ragione lei!) ciò che la distingue è un metodo espressivo, ma anche tecnico e procedurale, un “lavoro di polso” del tutto personale ed innovativo, tanto da aver profondamente influenzato altri artisti che con lei vennero in contatto, come Morris Louis e Kenneth Noland.
Influenzata a sua volta dalla libertà lineare di Arshile Gorkij e dal lirismo cromatico di Vassilij Kandinskij, affascinata dalle potenzialità espressive del dripping di Jackson Pollock, Helen Frankenthaler prende le distanze dagli eccessi emozionali dell’Espressionismo per ricercare le radici intellettuali di una pittura basica, fatta di gesti semplici ed essenziali, minimalista ma non povera, che si identifichi nella tela e nel colore.

Nelle sue opere, la gestualità istrionica di Pollock si spoglia di ogni dispersiva ridondanza per ridursi al gesto semplice ed indispensabile del versare il colore sulla tela, ricercando di questa semplice azione tutte le possibili varianti e modulazioni, fino a sviluppare, su questa tecnica, l’insieme dei codici convenzionali di un linguaggio riconoscibile e strutturato: superato il caos di una ricerca affannosa e violenta che pulsa in apparente disordine nelle tele di Pollock, l’arte della Frankenthaler, un espressionismo di seconda ondata, consolida i risultati in un linguaggio più pacato e consapevole, sicuramente più impersonale, fatto di grandi macchie astratte su macro-scala, con sottili dilavamenti del pigmento colorato rievocativi della tecnica ad acquerello.

La volontà di controllo sulla materia e sul risultato finale si esplicita nell’escogitare ingegnosi espedienti, come la diluizione con trementina della vernice colorata per renderla in grado di penetrare rapidamente entro la trama della tela posta in orizzontale, senza consolidarsi sulla superficie, e meticolose preparazioni del supporto grezzo che viene direttamente impregnato in più punti, producendo irregolari stagnazioni del colore con effetti di grande leggerezza e di diafane sovrapposizioni (in questo ricordando Mark Rothko): dopo gli anni ‘60, grandi porzioni della tela, chiamata a far parte della composizione, resteranno bianche, per far sì, usando le sue stesse parole, che l’opera respiri.

Come ben si apprezza nel quadro presentato, questo metodo di distribuzione a macchie impregnanti genera spontaneamente complesse forme astratte liriche e sensuali insieme, dove l’azione guidata e severamente controllata dall’artista si coniuga con effetti di grande spontaneità per l’imprevisto andamento del colore nella fibra, grazie al quale l’opera, quand’anche ispirata da immagini paesaggistiche o figure reali, acquisisce una sua autonomia in termini di astrazione assoluta.
L’uso del colore acrilico, meno denso di quello oleoso, in grado quindi di scorrere più agevolmente sulla tela in modo razionalmente imprevedibile, introduce con chiarezza il tema dei processi naturali, quale appunto il flusso dei liquidi, così come nelle opere di Pollock il dripping rappresenta in immagine le leggi frattaliche del fenomeno dello sgocciolamento, che in natura ad esse obbedisce.
L’effetto di brillantezza del materiale acrilico accende i grigi di riflessi metallici, giocando su luci ed ombre suggerenti la profondità spaziale di un ambiente che può anche partire dall’osservazione della realtà, ma che diventa sulla tela rappresentazione di un paesaggio interiore, paradossale equilibrio di controllo ed abbandono.

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